Descuento en Abono Temporada 2025 Orquesta Marga Marga
| Música | Abono con Descuento Socio Mercaz |
| 1. Temporada Ópera para todos 2025 | $95.000 |
| 2. Temporada 2025 Orquesta Marga Marga. | $50.000 |
| 3. Temporada de Piano 2025
|
$50.000 |
| 4. Festival de Guitarra. Noviembre 2025.
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$95.000 |
- Abonos sujeto a disponibilidad.
- Para hacer efectivo el abono por favor contactarse directamente con:
- Eloísa Ganderats eloisa@zocosantiago.cl
- Dirección: Av. La Dehesa 1500, Lo Barnechea.
- Se recomienda que envíe el link de su credencial Socio, al momento de hacer el contacto, para obtener el descuento en caso de disponibilidad.
TEMPORADA 2025 ORQUESTA MARGA MARGA
(Para hacer efectivo el abono por favor contactarse directamente con: Eloísa Ganderats eloisa@zocosantiago.cl)
El Centro para las Artes Zoco, en colaboración con la Orquesta Marga Marga, dirigida por Luis José Recart, se enorgullece de presentar la esperada Temporada 2025 de Música de Cámara. Fundada en marzo de 2010, la Orquesta Marga Marga, compuesta por un talentoso conjunto de violines, violas, cellos y contrabajos, se ha consolidado como una de las agrupaciones más destacadas en la escena musical chilena. Su repertorio abarca una amplia gama de compositores, que va desde el Barroco hasta la música contemporánea, con un énfasis particular en las obras de los siglos XX y XXI. Además, la orquesta se ha caracterizado por incluir en sus programas una significativa cantidad de música chilena, tanto de compositores consagrados como de voces emergentes que siguen enriqueciendo el panorama musical del país.
La temporada 2025 de la Orquesta Marga Marga ofrecerá un repertorio ecléctico y vibrante, reflejando la diversidad estilística y la riqueza sonora que definen a la agrupación. Entre las obras más destacadas se incluyen composiciones de grandes maestros como Georg Friedrich Händel, Félix Mendelssohn y Wolfgang Amadeus Mozart, así como piezas de innovadores contemporáneos como Astor Piazzolla, Fabrizzio De Negri y el chileno Carlos Zamora. También se presentarán importantes obras de la música clásica, como los conciertos de Francesco Geminiani y Dmitri Shostakovich, y composiciones chilenas, como Los Molinos de Curaco de Jaime Barría. Cada concierto de esta temporada será una oportunidad única para vivir una experiencia musical diversa y enriquecedora, con un enfoque especial en la interpretación de música de cámara de la más alta calidad.
Ficha artística Orquesta Marga Marga
Director Luis José Recart
Concertino Elena Batrakova
Violines 1 Ariel Claure / Felipe Robles / Nicolas Peña
Violines 2 Anatoly Cheremukhin / Priscila Vásquez / Ariel González / Ingrid Cotton
Violas Eloísa Leiva / Víctor Reyes / Juan Espejo
Violoncellos Nicolás Aldunate / Carlos Levicoy
Contrabajos Rodrigo Rivera /Pablo Carvaja
1. Claudio Santoro, Manaus (1919-1989)
- Fecha: 31 de marzo 2025 | Horario: 19:30 horas | Valor: $20.000.
- Ponteio, Claudio Santoro
- Concerto Grosso op. 6 Nº1, Georg Friedrich Händel
- Sinfonia Nº 9 “La Suiza”, Félix Mendelssohn
- Claudio Santoro, Manaus (1919-1989)
Santoro es una de las figuras más emblemáticas de la música brasileña del siglo XX. Nació en Manaus y se formó en Río de Janeiro, para luego continuar su educación en Europa, donde fue influenciado por maestros como Hans-Joachim Koellreutter. A lo largo de su carrera, logró una fusión magistral entre las tradiciones musicales brasileñas y las corrientes vanguardistas europeas, creando un estilo único que lo consolidó como uno de los compositores más destacados de su generación.
Con una prolífica producción de más de 200 composiciones, que incluyen sinfonías, conciertos y música de cámara, Santoro se destacó por su originalidad y profundidad. Su obra trascendió las fronteras de Brasil, ganando reconocimiento internacional. Además de su faceta como compositor, fue un apasionado pedagogo y fundó el Conservatorio de Música de Brasilia, un legado educativo que sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos.
Santoro falleció el 15 de diciembre de 1989 en Brasilia, dejando un legado que continúa marcando la música brasileña contemporánea.
DATO: La Curva Asintótica de Santoro: La inspiración matemática detrás de su obra
En 1969, mientras paseaba por el barrio de Montmartre, en París, el compositor Santoro decidió bautizar a una de sus piezas más conocidas para orquesta como Interações assintóticas [Interacciones asintóticas]. La inspiración surgió del amigo que lo acompañaba, el físico Roberto Salmeron, por entonces docente en la École Polytechnique, en Francia. La composición estaba lista, pero aún no tenía un nombre. En un intento por describir a qué se parecía la nueva melodía, Santoro relató que el sonido crecía, luego se atenuaba casi hasta desvanecerse, y posteriormente volvía a aumentar poco a poco, asemejándose a una montaña rusa. “En matemática, eso se llama curva asintótica”, habría comentado Salmeron. Esta anécdota fue relatada por la señora del físico Sonia Salmeron en el documental Santoro-El hombre y su música.
- Georg Friedrich Händel Alemania (1685- 1759)
Georg Friedrich Händel, nacido en Halle, Alemania fue un niño prodigio cuya pasión por la música desbordaba las estrictas expectativas de su padre, que prefería que estudiara leyes. A los 18 años, ya era organista en una catedral, pero su espíritu aventurero lo llevó a Italia, donde se empapó de la ópera y luego revolucionó Londres. Su famoso oratorio Mesías se convirtió en un éxito rotundo, y la interpretación de “Aleluya” fue tan impactante que el rey Jorge II se levantó, seguido por toda la corte. Famoso por su carácter fuerte, Händel compuso óperas en tiempo récord. Incluso cuando quedó ciego en sus últimos años, siguió componiendo. Su música sigue cautivando al mundo, y su legado perdura como uno de los genios más grandes de la música barroca, dejando una huella indeleble en la historia de la música clásica.
DATO: Un botón salvó la vida de un genio.
Con apenas veinte años, el joven y prometedor compositor Georg Friedrich Händel se enfrentó a un duelo con su rival Johann Mattheson. Un desacuerdo durante una representación operística escaló hasta un enfrentamiento con espadas. La fortuna sonrió al compositor cuando un simple botón de su abrigo desvió la estocada mortal. Un final de ópera más dramático que cualquier aria. Gracias a este pequeño detalle, el mundo pudo disfrutar de las majestuosas composiciones de Händel.
- Félix Mendelssohn, Alemania (1809-1847)
Félix Mendelssohn, nació en Hamburgo, Alemania. Fue un prodigio musical que deslumbró desde su niñez. Antes de la adolescencia, ya cautivaba con su virtuosismo pianístico y sus composiciones frescas. Su obra más conocida, la obertura Sueño de una noche de verano, demuestra su habilidad para evocar mundos mágicos a través de la música. Además de ser un destacado intérprete, Mendelssohn fue un compositor prolífico con sinfonías, conciertos, óperas y música de cámara que lo hicieron muy popular. Fue también un ferviente defensor de Bach, rescatando su obra del olvido. Fundó el Conservatorio de Leipzig, uno de los centros más importantes en la educación musical europea. Aunque su vida fue breve, falleciendo a los 38 años, su legado sigue vivo, inspirando a músicos y recordándonos el poder de la pasión en la música.
DATO: Mendelssohn y el Renacimiento de Bach
Mendelssohn fue un gran defensor de Johann Sebastián Bach desempeñando un papel fundamental en el resurgimiento de su música Fue él quien dirigió la primera interpretación moderna de la Pasión según San Mateo, rescatando así una obra maestra del olvido.
2. Fabrizzio De Negri, Chile (1971-)
28 de abril 2025 | Horario: 19:30 horas | Valor: $20.000.
- Milla Dengun, Fabrizzio Denegri
- Romanza, Gerald Finzi
- Cuarteto Nº 6 Version Orquesta de Cuerdas, Dmitri Schostakovich
Fabrizzio De Negri, compositor, arreglista y director de orquesta chileno, ha dedicado su vida a la música desde muy temprana edad. Su prodigioso talento se manifestó cuando, a los nueve años, comenzó a componer sus primeras piezas, demostrando una notable precocidad musical. Con una sólida formación académica, ha estudiado composición con destacados maestros tanto chilenos como internacionales, perfeccionando su técnica y ampliando su visión creativa.
A lo largo de su carrera, las obras de De Negri han sido interpretadas en diversos escenarios internacionales, consolidándose como uno de los compositores más importantes de su generación en Chile. Además de su faceta como compositor, ha destacado como director de orquesta, dirigiendo importantes agrupaciones sinfónicas y corales. Su pasión por la música lo ha llevado a explorar una amplia variedad de géneros, desde la música clásica hasta la contemporánea, dejando una huella profunda en el panorama musical chileno.
De Negri ha recibido numerosos reconocimientos por su contribución al arte musical, y su labor docente lo ha convertido en un referente para las nuevas generaciones de músicos en Chile. Su compromiso con la música y su incansable trabajo creativo siguen siendo una inspiración para el desarrollo de la música en su país.
DATO: De Negri y su aporte sinfónico en Mamalluca de Los Jaivas
En la creación de Mamalluca (1999), una de las obras más ambiciosas de Los Jaivas, Fabrizzio De Negri desempeñó un papel crucial en los arreglos sinfónicos. Concebida inicialmente como una canción para promocionar el observatorio Cerro Mamalluca, la obra creció en escala debido a la impresionante influencia del paisaje y la astronomía en los músicos. Finalmente, se transformó en un proyecto mucho más grande, una ópera folk-rock con elementos sinfónicos y música andina.
Durante el proceso creativo, De Negri colaboró estrechamente con los miembros de Los Jaivas, especialmente con Eduardo Parra, en el desarrollo de los arreglos sinfónicos. Utilizando un programa digital, De Negri dio forma a la complejidad orquestal de la pieza, fusionando la energía popular de Los Jaivas con la riqueza de la música clásica. Mamalluca se presentó en noviembre de 1999 en el Estadio Nacional, consolidándose como una obra emblemática, en la que el grupo interpretó por primera vez su música con una orquesta sinfónica y un coro.
Gerald Finzi, Inglaterra (1901-1956)
El compositor británico Gerald Finzi era conocido por su estilo romántico y profundamente poético. Su música, a menudo comparada con la de Elgar y Vaughan Williams, evoca paisajes bucólicos y sentimientos intensos, capturando la esencia de la naturaleza y la emoción humana. Finzi destacó por su habilidad para fusionar música y poesía, creando obras que se asemejan a cuadros sonoros llenos de expresión. Aunque no fue un compositor de vanguardias ni revolucionario, su estilo personal y su estrecha conexión con la literatura inglesa lo consolidaron como una figura relevante en la música clásica británica. Sus composiciones, especialmente sus ciclos de canciones y obras corales, son valoradas por su belleza lírica y su capacidad para transmitir emociones profundas. A pesar de que su popularidad aumentó tras su muerte, la música de Finzi sigue siendo, para muchos, una joya escondida que merece mayor reconocimiento.
DATO: La Conexión Poética de Gerald Finzi
El compositor británico estableció una profunda relación con varios poetas ingleses, cuyas obras inspiraron gran parte de su música. Thomas Hardy, su poeta favorito, influyó en composiciones como el ciclo By Footpath and Style, ayudando a dar a conocer la obra de Hardy a un público más amplio. Walter de la Mare también dejó su huella en Finzi, cuyas composiciones reflejaron la fantasía y el misterio de los poemas de De la Mare.
Robert Bridges, poeta laureado de Inglaterra, fue otro referente para Finzi, quien puso música a sus versos, consolidando su reputación. Por último, los poemas melancólicos de A. E. Housman inspiraron algunas de las obras más populares de Finzi, destacándose por su tono introspectivo y emocional. Así, la obra de estos poetas se convirtió en un pilar fundamental de la música de Finzi, uniendo poesía y melodía en composiciones inolvidables.
Dmitri Shostakovich, Rusia (1906 – 1975)
Dmitri Shostakovich nació en una familia en la que la cultura y las artes desempeñaban un rol fundamental. A los nueve años comenzó su formación musical bajo la tutela de su madre, y a los trece, en 1919, ingresó al Conservatorio de Leningrado, donde continuó su educación como compositor y pianista.
El contexto histórico de su vida estuvo marcado por las turbulencias que vivió Rusia durante las primeras décadas del siglo XX: la Primera Guerra Mundial, la Revolución de Octubre, el establecimiento de la Unión Soviética, la llegada de Stalin al poder, la Segunda Guerra Mundial y el sitio de Leningrado por las fuerzas nazis. Estas experiencias influyeron de manera profunda en su obra y en su relación con el régimen soviético, que fue siempre ambigua y cambiante.
A lo largo de su carrera, Shostakovich vivió una relación tensa y contradictoria con el Estado. Su estatus pasó de ser considerado un compositor subversivo y peligroso para el régimen, a convertirse en un héroe nacional, y nuevamente a ser un blanco de las autoridades soviéticas. Uno de los episodios más notorios de esta relación ocurrió en 1936, cuando Stalin asistió a una función de la ópera Lady Macbeth de Mtsensk. Tras presenciar la obra, Stalin abandonó el teatro abruptamente, y al día siguiente, un artículo en el periódico Pravda condenó la ópera como “decadente” y “formalista”. Esta crítica selló el destino de la obra, que fue retirada de la cartelera, y Shostakovich se vio marginado, considerado un enemigo del régimen.
Sin embargo, en 1941, cuando Leningrado fue sitiada por el ejército nazi, la imagen de Shostakovich dio un giro. Aunque no pudo alistarse en el ejército debido a problemas de visión, se unió al cuerpo de bomberos de la ciudad, donde desempeñó una labor heroica vigilando y apagando las bombas que caían sobre la ciudad. En ese contexto, una célebre fotografía de Shostakovich vestido con el uniforme de bombero fue utilizada por el gobierno soviético como propaganda, lo que contribuyó a su revalorización y elevación como símbolo del patriotismo soviético.
DATO: La Séptima Sinfonía: Un Acto de Resistencia en Leningrado
Durante el sitio de Leningrado en la Segunda Guerra Mundial, Dmitri Shostakovich compuso su emblemática Séptima Sinfonía, conocida como Leningrado, como un acto de resistencia frente a la brutalidad del conflicto y como un tributo a los habitantes de la ciudad que luchaban por sobrevivir. En condiciones extremas, con la ciudad sitiada y su población padeciendo hambre, frío y constantes bombardeos, Shostakovich encontró en la música una forma de resistencia artística y un modo de elevar el espíritu del pueblo.
El 9 de agosto de 1942, la Orquesta de la Radio de Leningrado, bajo la batuta de Karl Eliasberg, ofreció la primera interpretación de esta sinfonía. La orquesta estaba compuesta por un reducido número de músicos, la mayoría de los cuales había sobrevivido al hambre y la adversidad, muchos de ellos con serias dificultades físicas por las privaciones. El concierto se llevó a cabo en el Gran Salón de la Filarmónica de Leningrado, y la música fue amplificada para que pudiera escucharse más allá de las paredes del edificio, llegando incluso a las líneas enemigas.
Al finalizar la interpretación, el público, profundamente conmovido, estalló en una ovación que duró más de una hora, un testimonio de la profunda conexión emocional que provocó la obra. Este evento se ha grabado en la memoria colectiva como un símbolo de la dignidad humana, la esperanza y la resistencia cultural en medio de la desesperación más absoluta.
3. Francesco Geminiani, Italia (1687-1762)
26 de mayo | Horario: 19:30 horas | Valor: $20.000.
- Concerto Grosso La Folia, Francesco Geminiani
- Camino Lluvioso, Sergio Berchenko
- Cuarteto Americano, Antonin Dvorak
Francesco Geminiani fue un virtuoso del violín y una figura clave del Barroco tardío. Estudió con grandes maestros como Arcángelo Corelli y Alessandro Scarlatti, asimilando profundamente el estilo italiano. A los 27 años se trasladó a Londres, donde su virtuosismo lo colocó como un rival de Handel. Su obra más destacada, Concerti Grossi (1732), innovó al incluir la viola en el grupo de solistas, creando un sonido más rico y complejo. Geminiani popularizó técnicas como el vibrato y el trino, que influyeron en músicos como Bach y Tartini. Su tratado El arte de tocar el violín (1751) se convirtió en una obra de referencia para generaciones de violinistas.
A pesar de sus éxitos, su vida no estuvo exenta de dificultades. Enfrentó problemas financieros y legales, incluso llegando a ser encarcelado por deudas. Sin embargo, su legado perdura como un pilar en la transición entre el Barroco y el Clasicismo. Sus últimos años los pasó en Dublín, donde continuó componiendo y enseñando hasta su muerte en 1762.
DATO: El Primer Italiano en Ingresar a la Masonería y su Papel en su Expansión en Italia
Francesco Geminiani fue el primer italiano en ingresar a la masonería. Su iniciación se llevó a cabo en la Logia londinense “Queen’s Head” en 1725 y en el mismo año fue elevado al grado de Compañero y Maestro masón. Además, en mayo de 1725, fundó la sociedad Philo-Musicae et Architecturae Societas Apollini, dedicada a la ayuda mutua, asumiendo la responsabilidad de las actividades musicales.
En 1728, Geminiani, recibió la autorización para fundar la Logia masónica “La Perfecta Unión” en Nápoles, la primera Logia italiana regular. Esta misión fue otorgada por el Gran Maestro de la Premier Grand Lodge de Inglaterra, Lord Henry Hare, lo que subraya la estrecha relación de Geminiani con la masonería londinense, donde estuvo involucrado durante más de 15 años en círculos aristocráticos y masónicos. Así, Francesco Geminiani se considera el primer italiano documentado en ingresar a la masonería, desempeñando un papel crucial en la expansión de esta fraternidad en Italia.
Sergio Berchenko, Chile (1973-)
Compositor, arreglador y académico, nacido en Santiago de Chile. Desde el año 2009 a la fecha sus obras han estado en recurrente rotación dentro de selectos circuitos nacionales e internacionales de música sinfónica y de cámara. Estas composiciones han sido programadas en las temporadas de importantes teatros de Asia, Europa y América Latina. En Chile sus composiciones han sido estrenadas por las más variadas agrupaciones y orquestas profesionales, tanto juveniles como infantiles. Ha obtenido premios y reconocimientos en Chile y en el extranjero. Desde el año 2016 es docente del Conservatorio de Música de la Universidad Austral de Chile, en la ciudad de Valdivia.
Sus obras están en constante rotación en selectos circuitos nacionales e internacionales de música sinfónica y de cámara. Sus composiciones han sido programadas en las temporadas de destacados teatros de Asia, Europa y Latinoamérica. En Chile, sus obras han sido estrenadas por diversas agrupaciones y orquestas profesionales, así como por conjuntos juveniles e infantiles.
DATO: Los Cráneos, El Funk de Berchenko
A finales de los 80 y principios de los 90, Los Cráneos, banda en la que Sergio Berchenko desempeñó un papel crucial, se destacó por su fusión de funk, rock, soul y blues. La incorporación de bronces a su base rockera les permitió crear un sonido único.
La banda estaba integrada por músicos destacados como el cantautor y poeta Tito Escárate, el guitarrista Andrés Godoy, el bajista Patricio Luco, el trombonista Toly Ramírez y el baterista Yayo Serka, entre otros. Juntos, construyeron una identidad musical caracterizada por su energía en vivo y por letras audaces, que abarcaban tanto temas sociales como personales. Su público estaba compuesto principalmente por jóvenes universitarios que se identificaban con la estética experimental de la banda.
El legado de Los Cráneos perdura como una de las propuestas más innovadoras del funk chileno, siendo recordada como un referente de la música independiente de los 90.
Antonin Dvorak, Checoslovaquia (1841-1904)
Antonín Dvořák nació en Nelahozeves, un pequeño pueblo al norte de Praga. Creció en una familia de condiciones humildes: su padre, František, administraba un modesto hotel y trabajaba también como carnicero, mientras que su madre, Anna, era hija de un funcionario. Como el mayor de catorce hijos, de los cuales ocho sobrevivieron, Dvořák experimentó desde joven las dificultades de la vida en una familia numerosa.
Su educación musical comenzó en Zlonice en 1853, para luego trasladarse a Praga, donde perfeccionó su formación. A los 17 años, inició su carrera como compositor, y poco tiempo después, en 1871, obtuvo el puesto de organista en la iglesia de San Etelberto. A lo largo de su carrera, Dvořák fusionó las melodías populares de su Bohemia natal con los modelos y técnicas de la música clásica, creando un estilo único que lo distinguió dentro de la tradición europea.
En 1891, fue nombrado director del Conservatorio de Praga, lo que consolidó su figura como uno de los músicos más importantes de la República Checa. Al año siguiente, su carrera dio un giro internacional cuando se trasladó a Nueva York para ocupar el cargo de director del Conservatorio Nacional de Música de América. Durante su estancia en Estados Unidos, Dvořák compuso algunas de sus obras más emblemáticas, destacando la Sinfonía No. 9 en Mi Menor, también conocida como Del Nuevo Mundo. En esta obra, se reflejan sus influencias de la música nativa americana y afroamericana, lo que marcó un hito en su legado.
DATO: Dvořák y su pasión por la revolución tecnológica
El célebre compositor checo, tenía una faceta poco conocida pero fascinante: su profunda admiración por los avances tecnológicos de su tiempo. En una época de grandes transformaciones, cuando las máquinas comenzaban a cambiar radicalmente el mundo, Dvořák se sintió particularmente cautivado por los nuevos inventos, como las locomotoras y los buques trasatlánticos que surcaban los océanos.
Con una fascinación casi infantil por la tecnología, pasaba largas horas en las estaciones de tren, observando extasiado el paso de las imponentes locomotoras, que conectaban ciudades a una velocidad sin precedentes para la época. La visión de esos gigantes de hierro en movimiento era para él una fuente constante de asombro.
Incluso bromeaba con sus alumnos, diciendo que si pudiera, estaría dispuesto a intercambiar todas sus sinfonías por el simple privilegio de haber sido el inventor de la máquina de vapor. Una curiosidad que revela no solo su amor por la música, sino también su capacidad para maravillarse ante los avances que estaban transformando el mundo a su alrededor.
4. Wolfang Amadeus Mozart, Austria (1756 – 1791)
30 de junio| Horario: 19:30 horas | Valor: $20.000.
- Divertimento en D mayor, Wolfang Amadeus Mozart
- Danzas Rumanas, Bela Bartok
- Serenata para Cuerdas, Edward Elgar
- Suite Lumiere, Astor Piazzolla
Wolfgang Amadeus Mozart, considerado uno de los grandes genios musicales de la historia, dejó una huella indeleble en la música clásica a pesar de su vida corta. Con solo 35 años, compuso cerca de 600 obras que abarcan todos los géneros de su época. Niño prodigio, su talento fue rápidamente reconocido por su padre, Leopold Mozart, un músico de la corte en Salzburgo, quien se convirtió en su primer gran mentor. Junto con su hermana Nannerl, Mozart comenzó a mostrar sus habilidades desde temprana edad, y bajo la tutela de su padre, ambos niños realizaron extensos viajes por las cortes de Europa. El primero de estos viajes ocurrió cuando Wolfgang tenía solo seis años, llevándolos a ciudades como Viena, Múnich y París.
A lo largo de su carrera, Mozart se dedicó a componer una vasta cantidad de obras, que incluyen sinfonías, conciertos, música de cámara y óperas, dejando un legado que aún perdura. Sin embargo, a pesar de su reconocimiento temprano como compositor, la vida de Mozart estuvo marcada por dificultades personales y económicas. Enfrentó la tragedia de perder a varios de sus hijos, además de sufrir problemas financieros que no fueron resueltos durante su vida.
A pesar de su deteriorada salud y las tragedias personales, su música nunca dejó de fluir. Obras como su Réquiem y La flauta mágica reflejan la introspección y la contemplación de su propia mortalidad. La causa exacta de su muerte, ocurrida en 1791 a la edad de 35 años, sigue siendo objeto de especulación, sumiendo su vida y su legado en un halo de misterio.
DATO: LA PIEZA PROHIBIDA DEL VATICANO
Uno de los secretos mejor guardados por la Iglesia Católica durante siglos fue la obra Miserere Mei Deus, una pieza cuya partitura se mantenía bajo un estricto control. La reproducción o copia de esta obra estaba terminantemente prohibida, y cualquier intento de hacerlo podía acarrear la excomunión. Sin embargo, la leyenda cuenta que, en 1770, un joven Mozart desafió esta restricción. Durante su visita a la Capilla Sixtina en la Semana Santa de ese año, tuvo la oportunidad de escuchar la pieza, y sorprendentemente, logró transcribirla de memoria después de escucharla solo dos veces.
Este acto audaz, que en otras circunstancias hubiera tenido consecuencias graves, pasó desapercibido por un tiempo. A pesar de la naturaleza ilegal de su acción, el Papa Clemente XIV se enteró del suceso, pero, para sorpresa de muchos, decidió no excomulgar al compositor. La transcripción de Mozart, hecha sin autorización, se convertiría en una de las historias más fascinantes de la música clásica, sumida en el misterio de la prohibición y la audacia del joven genio.
Bela Bartok, Hungría (1881 – 1945)
Béla Bartók nació en Nayszentmiklós, una localidad que en ese entonces formaba parte de Austria-Hungría (hoy Rumanía). Mostró su prodigioso talento musical desde muy niño, comenzando a tocar el piano a los cinco años y ofreciendo su primer recital a los once. Tras la muerte de su padre, se trasladó a Budapest, donde estudió en la Real Academia de Música y entró en contacto con Zoltán Kodály, quien compartía su profundo interés por la música folclórica.
Su obra se caracteriza por la integración de melodías populares de diferentes etnias, junto con la influencia de compositores como Strauss, Debussy, Stravinsky y Schoenberg. A través de su innovador uso de la armonía y la exploración de escalas no convencionales, Bartók dejó una huella significativa en la música del siglo XX.
A partir de la década de 1930, Bartók enfrentó un periodo de frustración y desilusión debido a la colaboración del gobierno húngaro con el régimen nazi. Aunque al principio se mostró reticente a actuar en Alemania debido al ascenso de Hitler, su postura crítica hacia el nazismo se hizo más clara con el tiempo. Con la anexión de Austria, Bartók se unió a las protestas intelectuales y tomó medidas para proteger su legado, enviando varios de sus manuscritos a Londres.
En 1940, tras la muerte de su madre y frente al creciente clima de hostilidad en Europa, Bartók emigró a los Estados Unidos. Aceptó una invitación de la Universidad de Columbia para trabajar en el campo de la etnomusicología. Durante su estancia en América, su hijo, Péter Bartók, se unió a él en 1942 y luego sirvió en la Marina de los Estados Unidos.
DATO: CAJAS CON INSECTOS
Béla Balázs, destacado poeta, dramaturgo y crítico de cine húngaro, ofreció una visión única de Béla Bartók, describiéndolo en su diario con palabras que capturan la esencia del compositor. Según Balázs, Bartók poseía una “dignidad increíblemente mágica”, destacándose no solo por su genio musical, sino también por su profunda inocencia y encanto. En su diario, Balázs menciona que Bartók viajaba siempre con una mochila y varias cajas de puros, las cuales contenían escarabajos e insectos que coleccionaba con un meticuloso cuidado y un asombro perpetuo. Esta fascinación por los detalles de la naturaleza refleja el mismo asombro que Bartók sentía por la música y el folclore, que a menudo trataba con la misma reverencia y dedicación.
Edward Elgar, Reino Unido (1857 – 1934)
Nacido en Inglaterra en 1857, Elgar, sin formación musical formal, creó una obra musical de gran profundidad. Su música, aunque británica, refleja la influencia de Wagner y Brahms. Destacó por sus sinfonías, conciertos y obras corales como “El sueño de Geroncio” y “Los apóstoles”, donde su fe católica se fusiona con la tradición musical británica. Su obra más popular, las “Variaciones Enigma”, lo catapultó a la fama internacional, cada variación dedicada a un amigo cercano. Curiosamente, Elgar era también un aficionado a la química, y se dice que llegó a realizar experimentos en su casa, algunos de los cuales casi terminan en desastre. A pesar de su éxito, se retiró de la vida pública en sus últimos años, aislado del nuevo rumbo de la música. Elgar falleció en 1934, a los 77 años, dejando un legado que lo convierte en uno de los compositores británicos más importantes, con una música nostálgica y evocadora que cautiva a audiencias de todo el mundo. Su profunda conexión con la naturaleza, reflejada en muchas de sus composiciones, lo convierte en un compositor que trasciende las barreras del tiempo.
DATO: Elgar, el compositor químico
Más allá de las notas musicales, Edward Elgar albergaba una fascinación por los misterios de la ciencia. En su hogar, oculto entre partituras y violines, se encontraba un pequeño laboratorio donde el compositor realizaba experimentos químicos. Con la misma pasión con la que componía sinfonías, Elgar mezclaba reactivos y observaba cómo se transformaban las sustancias.
Astor Piazzolla, Argentina (1921-1992)
Astor Piazzolla, nacido en Mar del Plata, Argentina, en 1921, es considerado uno de los músicos más influyentes del siglo XX por su revolucionaria fusión del tango con elementos de la música clásica y el jazz. Hijo de un inmigrante italiano, Piazzolla se trasladó con su familia a Nueva York en 1924. Allí comenzó sus estudios musicales con Bela Wilda, maestro discípulo de Rachmaninov. Fue en esta ciudad donde también conoció a Carlos Gardel, con quien compartió una estrecha amistad.
La carrera de Piazzolla se desarrolló entre Argentina, Europa y los Estados Unidos. Su búsqueda de nuevas sonoridades lo llevó a estudiar en París con Nadia Boulanger, quien lo alentó a continuar con su propuesta de renovación del tango. A lo largo de su carrera, Piazzolla creó obras fundamentales como Adiós, Nonino y María de Buenos Aires. Su música, transformó el tango tradicional en un lenguaje más sofisticado y complejo. Aunque su estilo innovador le ganó el reconocimiento en Europa, en su país natal generó controversia, siendo considerado por algunos un transgresor del tango clásico. Sin embargo, su legado perdura como uno de los grandes renovadores del género.
DATO: Astor Piazzolla, de las calles de Little Italy al bandoneón
Astor Piazzolla vivió su juventud en el corazón de Little Italy en Nueva York, durante una época turbulenta en la que el barrio, tal como se retrata en El Padrino II, era un lugar vibrante pero peligroso. Los gangsters merodeaban por las calles como sombras, y más de una vez, desde la peluquería de su padre, fue testigo de disparos. En medio de ese entorno, el joven Astor, un pibe atorrante como él mismo se describiría, formó parte de una pequeña pandilla de amigos con los que solía meterse en problemas: rompían vidrios, tocaban timbres, robaban tiendas. No era raro que la policía los arrestara.
Pero todo cambió el día en que su padre, en un gesto que marcaría el destino de su hijo, vio un bandoneón en una vidriera y decidió comprárselo. Fue en ese momento, cuando Astor puso por primera vez sus manos en el fuelle del bandoneón, que su vida dio un giro irreversible.
- Abonos sujeto a disponibilidad.
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